法國 巴黎  MMM訂造Elle裝置公寓

　　受Elle Decoration之邀，Martin Margiela團隊翻修設計師Jacques Carlu在上世紀30年代建造于建筑與遺產城（Cité de l’Architecture et du Patrimoine）頂層的公寓。不知道是不是Martin Margiela 20年盛會后的殘像，還是設計領袖們后現代的非主流表現方式，這次Elle的裝置套間繼續延伸MMM病態卻美麗的視覺風格，而且場地大至220平方米，設置在巴黎中心艾菲爾鐵塔旁邊，裝置公寓將從現在對外開放至今年的10月。延續了Martin Margiela一貫的白色審美取向，家具用白色細布包裹，墻上重新刷滿白漆；而鏡子的裝置設計讓空間在同樣的白色之中自由不同分割和延伸，空酒瓶和散落的紙屑突出的是“盛宴后的空洞”，想必是Martin Margiela對于白色的又一次理解和試驗。無疑，Martin Margiela已經把品牌堅固于特定的審美基礎之上，不知道百科字典里會不會有一詞條為“Maison Martin Margiela式”。

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　　中國 北京  Crossover跨界，買一個兩萬的燈或是藝術品

　　每次走過三里屯都會被一家店的櫥窗吸引——有一匹高大的黑馬頂著黑色的燈罩，帥氣而有型，很想把它占為己有。直到今年1月，這家名為Crossover跨界旗艦店才正式營業。在這1200余平方米，黑白分明的兩層樓里，從Alessi的紅酒開瓶器到Moooi簡約枝形吊燈，Kartell的怪椅子到荷蘭Droog Design的靈感家居等幾十個國際品牌的名品都共處一室，還有一些當代藝術品，跨界幅度極大。基本上，在藝術設計類雜志里看到的一些名作，不論是生活創意品還是辦公創意品，都有可能在這里找到它的真身，當然，這些東西價格也不菲，但最起碼能眼見為實了。中國近幾年當代藝術火熱，時尚奢侈品牌紛紛開店，但有品位的家居店卻極少，真讓人抱怨為什么連曼谷都有平價的英倫家居設計品牌Habitat進駐，國內卻是一片空白。所以，當有走高端設計家居路線，貨品以國際品牌為主，重點在于買手眼光的精品店開張，就馬上成為城中大事，比如上海的“設計共和”及“100 Percent”店。當這樣的買手店越開越多時，是不是代表著中國越來越多的創意階層愿意為高端設計品買單？那么，說不定未來，國內雜志的惡戰將從這兩年的男性雜志的戰場，轉到如《Wallpaper》的生活品味類雜志來。

　　英國 倫敦   冷戰設計 Cold War Modern 1945- 1970

　　在倫敦的V&A博物館中，展出近三個多月的“冷戰設計”吸引了民眾的觀看。展覽以“冷戰”為主軸，以設計為面向來呈現。展覽規模頗為龐大，作品種類繁多，橫跨多種媒體的百件藝術、設計作品陳列在四間展廳中，并根據不同的主題將展覽劃分為七個部分。但較為神秘與晦澀的部分是，我們在純藝術作品旁邊，就可以看到電器的模型、家具的設計。這種跨媒體及門類的作品的并置，會帶給觀眾所謂的當代藝術與政治發展強力的連結，難免間接地帶給參觀者沉重的壓力，似乎在告訴參觀者，在冷戰時期的背景下，一切藝術與設計都源自“冷戰”，并一切為“冷戰”服務。

　　若要說起“冷戰”時期的設計發展，倒不如說起這個時期的社會主義與資本主義，兩種體制的社會發展，透過設計成為附加價值的手段，呈現了不同的經濟價值面向。1945-1970年期間，二次世界大戰后，大眾對于民生有極大需求的時期，不論是在經濟上、供應上或是能源等，在設計面上都做了很多的強調，利用設計方法與藝術來附加此時社會與國力最需要的經濟價值、民族意識。

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　　市場化下的美國工業設計

　　在前蘇聯，繼斯大林之后的領導人赫魯曉夫致力于暖化與西方的冷戰關系，而新面貌的冷戰競爭轉為民生的現代化作為比較。1959年在莫斯科的美國國際展覽，美國副總統尼克松向赫魯曉夫說：與其比較武器或飛彈的優劣，倒不如比較洗衣機的功能好壞。由此可見，在這樣的時代變遷中，現代化建設已經成為國際間衡量國力的新標準。在一個戰勝國的經濟時空里，美國進入一個嬰兒潮時期，大量的經濟活動開始活絡展開。上世紀40-50年代，美國的設計主流是從包豪斯理論的基礎上去實踐所謂的現代主義。當時，在軍武發展與社會經濟強調功能主義，在材料、結構上的設計思維都是首重于物品實用性。但戰后的美國與其它的戰后正須重建的國家有截然不同的經濟發展，許多的經濟活動早已經進入了廣泛的工業生產領域，美國的現代主義也開始脫離戰前刻板、幾何化的模式，設計師們以大膽的實驗精神重新與新技術、新材料結合，轉向當代主義，形成一種成熟的工業設計美學。美國人開始追尋的是安逸的社會發展與跨國經濟模式，工業設計成為市場競爭、商業發展重要的媒介，他們不像歐洲有那么多人在談論設計理論與哲學，但他們的設計商品數量驚人，他們的設計是做生意的，而不是研究設計的社會功能；在資本主義的社會發展里，一切都是由市場競爭來決定。雖然充滿了俗氣的銅臭味，但卻意味著市場供需上不可否認的機制。市場決定了社會需求，企業為了生存不得不提供多元的產品樣式、包裝來利用各種手段促銷。

　　戰后初期，整個經濟社會發展處于一種焦慮與渴望的時期。美國家具設計夫妻檔Ray＆Chairs Eames在物資匱乏的時代里，不斷地思考著如何使一般人有能力可以購買到好的產品。于是，Ray＆Chairs Eames在材料的設計上，選擇一種玻璃纖維的塑料來代替木頭，并且利用玻璃纖維的特性來制成有三度曲面的Shell Chair 餐椅系列，讓產品更輕便化、大眾化。不僅如此，Ray＆Chairs Eames夫婦在工業制程的發展上采取經濟的、低成本的方式來發展產品線，讓這些椅子可以互換椅腳，以設計應用來增加產品的附加價值，讓這些家具的面貌被賦予了更多的想象空間。來自芬蘭而移民美國的著名建筑師也是家具設計師Eero Saarinen，和 Eames夫婦是往來密切的工作拍檔。他擅長運用玻璃纖維材質和成型腳座，創造出造形柔美、線條有機的組裝單椅。溫暖的子宮椅（Womb Chair）在展覽的開始就設計作出陳述：戰爭給人們帶來恐懼，人們需要在一個安全的范圍得到舒適感，如同嬰兒在子宮里一樣，在一個充滿養分的世界里安全成長。

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　　西歐的實用主義設計

　　在西歐的民主國家中，許多現代主義的建筑師與設計師致力于戰后的社會發展。不僅如此，許多的抽象藝術家與機能主義的設計師互相合作，以前衛的設計思維與崇高的道德標準為戰后的社會服務。戰后的德國是個資源缺乏的環境，在經濟發展上更需要有效率、實用的生產技術。因此在百廢待舉的狀況下，英格·艾舍·紹爾（Inge Aicher Scholl）、奧托·艾舍（Otl Aicher）和馬克斯·比爾（Max Bill）成立了烏姆（Ulm）專門學院。烏姆（Ulm）認為設計是須具實用性的、沒有裝飾、精巧、高質量的產品；因為無意義的扭曲或刻花紋的設計手法，只會降低主體的特性、并可能增加許多無謂的成本。來自瑞士的跨界設計師Max Bill的廚房時鐘正是一個說明烏姆（Ulm）理念的作品；廚房是每天生活中必須有工作活動的地方，這個鬧鐘可以簡潔地提供廚房使用者的時間信息，并以精確的聲音告知廚房使用者正確的烹煮時間。在烏姆（Ulm）之后發展起來的是蘇黎世藝術設計學院HfG（The Ulm School of Design/Hochshule fur Gestaltung），HfG 認為設計師必須與工程師一同合作，站在一個基準上一同思考。這樣，兩者的層面才會多元，更能整合科技、實用功能、美學、人因工程等。HfG不僅教導設計師所應俱備的基本知識，更從人文、社會、哲學的層面來探討設計的價值，通過許多的技術實驗同時建立現代工業設計師的許多標準規格。例如，1961年，HfG與德國博朗（Braun）所合作的電動刮胡刀，還有1963年世界第一臺的圓盤式幻燈機（Kodak Carousel S），都是HfG的經典生活設計。在這次的展出中，德國籍工業設計師 Dieter Rams 與德國博朗（Braun）的關系更是密不可分。Dieter Rams是提倡家電實用主義復興的設計師，他主張摒棄所有繁復、非必要、不受用的造型、線條，使產品極簡化又具有一種特殊的優點。Dieter Rams所設計出的商品，無論在什么設計風格的室內空間下，都能恰如其分地存在。Dieter Rams的設計格言是：“越簡約，越卓越”。他為博朗所設計制造的SK55唱片機及T1000收音機都被Cold War Modern所收錄展出。而Dieter Rams所謂的“越簡約，越卓越”，更持續地影響到現今許多產品設計的發展。

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　　充滿想像的太空時代

　　隨著冷戰的戲劇化發展，東西方進入到一個全新的領域——充滿想象的太空競賽時代。電影《2001年太空漫游》不僅討論到像神話奧德賽般的太空流浪，也表明人們對太空活動的期待。電影中，由芬蘭設計大師艾洛·阿尼奧（Eero Aarnio）所設計的Ball chair被形容成“房間里的房間”。它如同太空艙，球體造型能夠阻擋外來的噪音，為使用者提供一個講電話或閱讀書報的私密空間。當阿波羅11號抵達月球，尼爾·阿姆斯特朗（Neil Armstrong）帶領人們在宇宙中行走的第一步，揭開宇宙無垠的神秘面紗；當人們發現人類的太空旅程需要仰賴巨大而精巧的宇宙飛船進入黑暗的宇宙中前行時，人類生存發展與太空科技的關系牽引出多元化的反應。設計潮流的發展更是通往未來主義的異次元空間，在航天科技的蓬勃發展下，許多的新材料與新技術在設計應用上也間接延伸至時尚領域。

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　　中國 北京  玩味生活設計“兩塊東西，東西兩塊”

　　2008年年末做活動最熱鬧的要算是歌德學院了。歌德學院20周年，音樂演出、影展、市集一波緊接一波，讓大眾更進一步認識到德國的電子音樂和電影文化。12月底，作為慶祝活動的尾聲，在706 loft，一個復式的空間里，藏進了一個展覽，一個游擊店。

　　很多人對于德國設計的印象大約就是功能至上，設計嚴謹而充滿了理性，帶著鋼鐵般堅毅的味道。這正是此次展覽“兩塊東西，東西兩塊”的策展人劉治治所希望顛覆的。“在上世紀九十年代東西德合并后，新德國以其巨大的包容性與文化多樣性不斷豐富著自身，任何一種文化形態或者觀念在德國都可以迅速找到自己的位置。這次展覽所介紹的設計師與他們的設計作品正是這段‘豐富時期’的一組抽樣。大部分設計作品不約而同地表現出一種隱藏的幽默，這與‘成見’中德國設計均以高技術手段明確表述概念并且力圖得到嚴肅結果的觀點大相徑庭，這不僅是對既有設計體系的‘挑釁’，在另一方面設計師們也希望通過這些‘挑釁’式的作品，對大家早已熟知的‘生活狀態’進行一些可能的‘擾動’”。

　　展覽中，來自德國的近十位年輕設計師帶來了他們的時裝設計、產品設計及空間設計。剛入門口，一排紅色耀眼的鐵鍬來自設計師David Olschewski，他巧妙地將鐵鍬稍微改動，就變成了能掛西裝等衣物的衣架，而這樣的衣架不掛衣物時放在家里又更像是一件藝術品。一樓空間里，最吸引人注意的展品要算是Farsen | Schollhammer和Proxy Studio帶來的玩味家具，乍一看，那些家具很眼熟，有點像是某個著名的瑞典家居品牌，但他們都被一一解構成如今更具幽默感的家具，比如那個看起來有點危險的白色桌子，原本的兩個木桌腳被兩個垂直拉伸的鉛球所取代。

　　從一樓往二樓的一個低矮空間走，展示的都是時裝類的設計作品，包括Hut up Berlin品牌，設計師Christine Birkle從毛氈得到靈感并將其運用于古靈精怪的時裝設計之中，顛覆了人們往常對毛氈厚重粗糙的印象。而從一樓往另一個方向走，則進入了BLESS的創意世界，順著一階階的樓梯往上走，BLESS的展品就散落其中。

　　這次展覽除了玩味十足，更特別的是它還是個短暫的游擊店，所有的展品都可以出售。觀展人也可能是顧客，如果你買走它，就讓這些設計品回歸到其本來身份——消費品。